Un plan-séquence est une séquence filmée en une seule prise continue, sans coupure ni montage entre les plans. Il commence au moment où la caméra se met en marche et se termine lorsqu’elle s’arrête, sans interruption pour changer d’angle, de distance ou de scène.

Ce type de plan, qui peut durer de quelques secondes à plusieurs minutes (voire tout un film, comme Victoria), permet de suivre l’action dans une continuité temporelle et spatiale. Il offre au spectateur une expérience fluide, immersive, souvent plus réaliste. Contrairement au montage traditionnel, le plan-séquence conserve l’unité de lieu et de temps, mettant en valeur la mise en scène, la chorégraphie des acteurs et la précision des mouvements de caméra. À partir de combien de temps peut-on considérer qu’un plan est un plan-séquence ? Selon moi, une dizaine de secondes suffisent pour qu’un plan prenne cette dimension.

Le plan-séquence, aussi appelé « oner » ou « long take », est parfois vu comme une démonstration de virtuosité technique. Réussir à maintenir la caméra en marche sans erreur sur une longue durée exige une grande maîtrise. Mais au-delà de l'exploit technique, il permet une narration forte et singulière.

Trois usages du plan-séquence

Créer de la tension par la contrainte temporelle :

En conservant l’unité de temps et d’espace, le plan-séquence piège le spectateur dans le cadre. Cette continuité renforce l’incarnation et l’immersion. Le Fils de Saul, par exemple, utilise cette technique pour générer une angoisse constante : la caméra suit Saul de près à travers le chaos, sans jamais détourner le regard.

Amplifier l’intimité :

L’absence de coupure nous lie directement aux personnages et à leur environnement. Ce réalisme brut accroît l’émotion, rendant chaque geste ou silence plus pesant.

Susciter l’émerveillement ou la contemplation :

Certains plans-séquences servent à magnifier une scène par leur beauté formelle. Ils deviennent un outil poétique, parfois contemplatif, en laissant le temps s’écouler sans artifice.

La maîtrise du plan-séquence

Avant l’émergence de la mise en scène telle qu’on la connaît aujourd’hui, les premiers films étaient essentiellement composés de plans fixes qui se poursuivaient jusqu’à l’épuisement de la bobine. Ces prises continues, que l’on désigne aujourd’hui sous le terme de "plans-séquences", étaient alors la norme, bien que leur valeur artistique n’ait été reconnue que bien plus tard.

L’apparition du montage a marqué un tournant majeur : les cinéastes ont pu allonger la durée des films et structurer leurs récits avec cohérence. En combinant plans larges, plans moyens et gros plans, ils ont commencé à construire des histoires fluides et compréhensibles. Avec l’affirmation d’un langage cinématographique plus élaboré, le plan-séquence a progressivement gagné ses lettres de noblesse. Ce procédé, consistant à filmer une scène d’un seul tenant sans coupe visible, permet de renforcer l’immersion du spectateur dans l’univers du film. Il est souvent utilisé pour accentuer la tension dramatique, adopter un point de vue subjectif, installer une ambiance ou renforcer un moment-clé, comme un dénouement.

En visionnant ces œuvres, on prend pleinement conscience de la richesse expressive du plan-séquence. Une séquence lente peut créer une atmosphère contemplative, tandis qu’un mouvement plus rapide de la caméra génère un sentiment d’urgence. Un zoom avant progressif peut instiller le doute ou l’angoisse, là où un zoom arrière évoque souvent un sentiment d’ouverture ou d’évasion.

Toutefois, derrière cette fluidité apparente se cache une réelle prouesse technique. Les comédiens doivent parfaitement synchroniser leurs déplacements et dialogues, les accessoires doivent fonctionner sans faille, le son doit être capté sans erreur, et le moindre bruit parasite ou faux mouvement en arrière-plan doit être évité. Le moindre accroc oblige à tout recommencer depuis le début. C’est un exercice exigeant, réservé à ceux qui allient rigueur, précision et sens artistique. Lorsqu’il est maîtrisé, le plan-séquence sublime la narration et laisse une empreinte durable dans l’esprit du spectateur.

Le tournage en séquence (montage classique)

À ne pas confondre avec le plan-séquence, le tournage en séquence désigne une méthode de tournage classique. On filme une scène sous plusieurs angles et à différentes distances : plans larges, moyens, gros plans, etc. Cela offre au monteur la possibilité de construire une narration visuelle cohérente et rythmée. Ce procédé aide à planifier le tournage, à organiser l’éclairage, la composition, et à anticiper les transitions. Parmi les types de plans les plus utilisés :

●       le plan large pour situer l’action,

●       le plan moyen pour identifier les personnages,

●       le gros plan pour souligner un détail ou une émotion.